http://www.ajimez.comAjimez Arte. Noticias de ActualidadEShttp://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=531Fri, 05 Sep 2008 00:00:00 +0000Jaime MartinJaime Martin Publicado en La Nueva España

Gijón, J. C. Gea

El permanente diálogo entre el gesto azaroso y la construcción geométrica articula las obras que, desde ayer, expone en la sala Artenorte del centro Litografía Viña, en Cimadevilla, el artista Alberto Junquera González (Gijón, 1963) hasta el próximo día 30. Inspirándose en conceptos que tienen que ver tanto con lo plástico como con lo musical, Junquera trabaja con esmalte sintético, tinta en spray y adhesivos sobre papel pautado, buscando el equilibrio entre el hallazgo y el rigor.

«Me interesa la conjunción, lo racional y lo irracional, la búsqueda de un equilibrio dinámico entre la geometría y la mancha», afirma Junquera, cuyo método de trabajo parte de lo encontrado para ir en busca de lo construido, aunque el resultado sea «de alguna manera imprevisto» y el propio autor resulte «el primer sorprendido». En un primer momento, se distribuyen las manchas más sólidas, y después se aplica tinta en vaporizador, con efectos atmosféricos obtenidos por el uso de objetos cotidianos que sirven de superficies de reserva. Finalmente el conjunto es intervenido con adhesivos que establecen zonas de geometría y color en contraste con las presencias y los climas creados mediante la tinta.]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=531http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=530Fri, 05 Sep 2008 00:00:00 +0000Jaime MartinJaime MartinPublicado en La Nueva España
Gijón, J. C. Gea

El Certamen Nacional de Arte de Luarca, uno de los más veteranos y prestigiosos de España en su género, viaja por primera vez a Madrid. La sala de exposiciones de la Delegación del Principado de Asturias en la capital de España acoge desde ayer una exposición de trabajos ganadores en una competición artística que en la pasada edición superó las 160 obras participantes. La sede institucional de la autonomía asturiana, sita en el cruce de Santa Cruz de Marcenado con San Bernardo, lleva así al corazón de Madrid una muestra de la obra de los artistas asturianos Carlos Suárez (Avilés, 1969) y Faustino Ruiz de la Peña (Oviedo, 1969), vencedores el pasado año en la trigésima octava edición del concurso organizado por el Ayuntamiento de Valdés, la Consejería de Cultura y Cajastur.

Bajo el título «Tierras de Koningsbos», Carlos Suárez expondrá una selección de fotografías realizadas en las tierras de cultivo cercanas a la localidad belga de Kasterlee: paisajes desolados de un mundo rural en decadencia, como ruinas de la intervención humana en el medio natural.

Por su parte, Faustino Ruiz de la Peña mostrará cuadros de su serie «Paisajes sin fondo», serie de obras en las que el pintor ovetense vuelve, según sus palabras, a un género que le permite «retomar la infancia» y «mancharse con la pintura». Con posterioridad, y tras su itinerancia por Asturias, la Casa del Principado en Madrid exhibirá la muestra de trabajos seleccionados en el Certamen Nacional de Luarca durante la edición encabezada por Suárez y Ruiz de la Peña.
]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=530http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=533Thu, 04 Sep 2008 00:00:00 +0000
Publicado en El Pais

R. Bosco / S. Caldana 04/09/2008
 
 
"La era del copyright ha llegado a su fecha de expiración. Lo que está en juego es el valor de la propiedad intelectual, la libertad de información y el desarrollo de una sociedad basada en el conocimiento abierto, que intenta construir una nueva economía a partir de la creatividad y la innovación".



"A pesar de las pérdidas millonarias de la industria musical y cinematográfica, las grandes grupos de presión siguen rechazando todo impulso constructivo hacia la configuración de una nueva economía cultural, en su desesperado intento de conservar los mecanismos proteccionistas", añade Ito, cuyo propósito ha sido reunir artistas, teóricos e investigadores de los nuevos medios con abogados, empresarios, inversores y políticos.

Un conjunto de exposiciones y eventos se encargan de amplificar el marco conceptual del festival, materializándolo en instalaciones espectaculares que, siguiendo la línea estrenada el año pasado, rebasan el límite de los espacios expositivos convencionales para extenderse en la ciudad y sus alrededores.

El tema de la movilidad, la descentralización y la relación entre espacio público y privado, centra dos de las propuestas principales: la exposición Art on the Move, comisariada por los artistas Christa Sommerer, Laurent Mignonneau y Dietmar Offenhuber, pioneros de las aplicaciones creativas de la interacción a través de Internet, y Take Away (data to go), un conjunto de instalaciones que establecen nexos entre lo analógico y lo digital.

Es el caso de Hybrid Playground de los valencianos Clara Boj y Diego Díaz, un proyecto que permite transformar los parques de juegos infantiles en escenarios interactivos, mediante un sistema de sensores que se aplican temporalmente a columpios, balancines y toboganes, convirtiéndolos en interfaces audiovisuales.

Hybrid Playground es la única producción española seleccionada para una de las exhibiciones de Ars Electronica, excluyendo naturalmente las obras galardonadas en los Ars Electronica Prix que, como es habitual, se expondrán en el OK Centrum: Reactable, el instrumento musical colaborativo creado por Sergi Jordà, ganador en la sección de Música Digital y Augmented Sculpture Series de Pablo Valbuena, que después de haber sido el único invitado español del festival 2007, este año ha obtenido una mención de honor en la categoría de arte híbrido. Por lo demás la presencia nacional se reduce a las presentaciones de los proyectos Banco Común del Conocimiento de Platoniq y Art Tech Media de Montse Arbelo & Joseba Franco, que tendrán lugar en el Ars Foyer, una nueva sección cajón de sastre, resultado de la unión de las finadas Open X y Electrolobby.

Proyector de pensamientos
Entre los proyectos que reflejan las vinculaciones entre la creación artística y las empresas tecnológicas, destaca Thought Projector, un proyector de pensamientos, basado en una herramienta utópica concebida por Nikola Tesla (1856-1943), "un genio olvidado de la ciencia de la electricidad".

Creado por el colectivo Alien Productions y la compañía de óptica Zeiss, el proyector de pensamientos se compone de una cámara para oftalmólogos modificada, que capta las imágenes de la retina de los visitantes y las proyecta en las paredes de la sala de exposiciones en tiempo real.

Fascinantes e interactivas también son las obras de arte híbrido, reunidas por la Universidad de Tokio (Japón) en la muestra Hybrid Ego, como Feelings of daily details, una mesa de hormigón y fibra óptica de la que los visitantes pueden sorprendentemente extraer sonidos y Tablescape Plus, un vídeo teatro interactivo en miniatura, formado por pantallas diminutas, cuyas imágenes cambian según la posición en que las coloca el visitante.

ARS ELECTRONICA: www.aec.at

Al festival, en bañador
A pesar de que Linz está entre valles y colinas, este año los visitantes de Ars Electronica no deben olvidar el bañador: lanzarse al agua y nadar es la única forma de disfrutar de una de las propuestas más sobrecogedoras del festival. Episureo - zusammenfließen, de Sebastian Neitsch y Stefan Schwabe, es una instalación interactiva que convierte la piscina de Holmes Place en un mundo acuático fantasmagórico, sugerente y relajante.

Las imágenes abstractas y multicolores, que se proyectan en el techo del pabellón, reaccionan a los movimientos de los nadadores, así como las extrañas melodías difundidas por los amplificadores subacuáticos. Tanto las imágenes como los sonidos se modifican en relación al número de nadadores, su velocidad en el agua y la distancia entre ellos. El resultado se visualiza en gráficos minimalistas que trazan los recorridos de los movimientos acuáticos y el ir y venir de los bañistas.

La pieza forma parte de la exposición Art on the move con otras 13 obras interactivas, entre las que se encuentran un balancín para experimentar el peso de la información digital (/balance), un videojuego que permite ver la violencia oculta de la era tecnológica (Fishy) o un tocado de plumas cinético que reacciona a las ondas de radio (Taiknam Hat).]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=533http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=532Wed, 03 Sep 2008 00:00:00 +0000
    
Publicado en La Nueva España

Gijón, J. C. GEA

Los jóvenes artistas Ignacio Quesada de la Fuente (Nava, 1977) y Amalia Rodríguez Ulman (Gijón, 1989) han resultado ganadores de la edición de 2008 del premio «Astragal», que convoca la Consejería de Cultura a través del Instituto Asturiano de la Juventud, en colaboración con la Fundación de Cultura de Gijón y el Conseyu de Mocedá de Xixón. La convocatoria, dotada de sendos premios de 8.000 euros destinados a la producción de los proyectos ganadores, galardona trabajos concebidos para la sala Astraga. El jurado estuvo integrado por Ana Botella, Jaime L. Martín, Pilar G. Lafita y Fernando Gutiérrez.

El proyecto de Quesada de la Fuente, titulado «En medio», es una instalación audiovisual interactiva en la que se reflexiona sobre la relación entre los jóvenes y los medios de comunicación de masas y las nuevas tecnologías comunicativas y está realizado en colaboración con la costarricense Paula Calvo.

«Bien après les jours et les saisons», el proyecto de Amalia Rodríguez Ulman, se aproxima, a través de una instalación audiovisual y escultórica, a los vecinos mayores del barrio gijonés de Cimadevilla, donde reside.]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=532http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=529Sat, 30 Aug 2008 00:00:00 +0000Jaime MartinJaime MartinSala 0: Blanco Roto. Instalación efímera. Técnica: Porcelana, agua, acero y aluminio.
Sala 1: Versus Color. Pinturas
Jardín: Blanco Roto. Instalación efímera. Técnica: Porcelana, agua, acero, tierra vegetal, semillas y césped.
Obra expuesta: Instalaciones realizadas en la sala 0 y en el jardín de la galería. Pinturas en la sala 1 realizadas para esta exposición durante los años 2007 y 2008.


Blanco roto es una obra efímera realizada in situ en el interior y el exterior del espacio expositivo, hecha de barbotinas, aplicadas sobre mallas, soportes o contenedores, metálicos o de otros materiales. El tiempo de la exposición será también el de la transformación constante del material durante el proceso de secado.
Blanco roto indaga sobre la fragilidad y sobre la perentoriedad de todas las cosas, físicas e inmateriales, que constituyen el entorno humano. Habla en definitiva de la fragilidad humana y de la consciencia de esa fragilidad.

Color reflexiona sobre la plasmación pictórica de los colores que recordamos y recreamos. Está hecho de sedimentos, sedimentos geométricos, sedimentos de paisajes y atmósferas de otros tiempos, sedimentos de la industria, de paisajes mineros vistos o soñados, de los tiempos de la memoria del placer y el dolor. El color de los sedimentos es antiguo como ellos, antiguo y hondo; mineral, compacto e iridiscente; tornasolado y cambiante según el ángulo y la luz de la mirada… Color es un viaje a las entrañas del color.

]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=529http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=2&id=528Sun, 17 Aug 2008 00:00:00 +0000
 
Publicado en La Nueva España
Oviedo, Pilar Rubiera
Luis Fernández (Oviedo, 1900- París, 1973), uno de los grandes pintores españoles del siglo XX, entró por primera vez en el Museo del Prado a los 16 años. Dice Alfonso Palacio, profesor de la Universidad de Oviedo, que «su contacto con los maestros le produjo una sensación de sacudida eléctrica». A partir de entonces, siempre que regresa al Prado «siente cada vez una cosa en las raíces de los cabellos como si los pelos se le pusieran de punta, la presencia de algo muy sagrado, cosa que no le ha ocurrido nunca en otros museos».

Ese carácter sagrado, espiritual, quizá relacionado con su ideario masónico, es una de las características del Fernández artista, quien desarrolló toda su obra en Francia y que, en opinión de Alfonso Palacio, siendo uno de los protagonistas de la vanguardia del siglo XX, supo ver que aquel movimiento artístico sería pasajero y que era necesario explorar otras vías. Lo hizo. «Fernández supo mantener el pulso y la intensidad creativa más allá de la vanguardia», afirma el historiador a LA NUEVA ESPAÑA.

«Vivió su vida y la entendió siempre como una entrega apasionada al arte, en clave de sacerdocio. El artista es para él una especie de sacerdote entregado a un ideal superior ante el cual todos los demás aspectos de la vida adquirían una dimensión secundaria», apunta Palacio.

Autor de una sobresaliente tesis doctoral sobre Luis Fernández, un pintor que en 1980, año en que se abrió el Museo de Bellas Artes de Asturias, era una figura en Francia pero un gran desconocido no sólo en su tierra natal sino en España, Alfonso Palacio publica ahora los dos primeros volúmenes de su trabajo: «Vida, obra e ideas artísticas» y «Documentación y correspondencia», ambos editados por el Museo de Asturias. La institución tiene, en estos momentos, nueve pinturas, 58 dibujos, seis grabados y dos planchas calcográficas del pintor ovetense. A ellas hay que añadir más de cuatro mil cuartillas y folios en las que Fernández reflexiona sobre la creación artística, y un número también muy importante de cartas, fotografías y objetos personales; entre ellos, su biblioteca.

Los dos volúmenes se presentarán el próximo mes de octubre. El catálogo razonado de su obra -Palacio duplicó el número de piezas recogidas en el primer intento, publicado en 2000- se editará el próximo año, con el apoyo de la Fundación Azcona. Y, en 2010, podrían concluirse los trabajos con una edición crítica de los escritos que custodia el Museo de Bellas Artes.

«Sin ningún tipo de dudas, Luis Fernández está entre los grandes pintores del siglo XX, con una vida y una obra que recorren prácticamente todo el siglo», subraya Alfonso Palacio.

Fernández llegó a París, procedente de Barcelona, en 1924, sin conocer a nadie y sin hablar una palabra del idioma. «Era un pintor de su tiempo y se da cuenta de que el ambiente artístico de España no le satisface y decide dar el salto a la capital artística de entonces, que era París», explica Palacio.

Es el primer artista español que entra en contacto con la abstracción geométrica. Estuvo vinculado al grupo Abstraction-Creation, del que formaban parte también, entre otros, Julio González, Jean Arp y Torres García. Más tarde vendría el surrealismo y su relación con grandes figuras de la época, como Andrè Breton, Paul Eluard o Picasso, hasta llegar a su plena madurez pictórica, con una obra muy personal que Alfonso Palacio denomina «realismo trascendental».

«Me interesa muchísimo su período abstracto geométrico, también el surrealista, sobre todo esa relación que descubre al final de la década de los treinta entre el sueño y la pintura, a partir de su contacto con las teorías de Freud, y, después, sus años de madurez, entre 1953 y 1973», cuenta el historiador.

Artista de método, Luis Fernández vertebró su obra y sus ideas artísticas en torno a tres ejes: el manual, al que dedica muchísimo tiempo y que abarca el estudio de las técnicas antiguas y el preparado de colores y aglutinantes de su pintura; el intelectual, esa capacidad que tenía para reflexionar sobre los aspectos del dibujo, el color, las líneas, las superficies, la luminosidad, y el método espiritual o la aparición en su pintura de conceptos como gracia o sublimación, lo que Palacio explica como «ese intento constante de leer la tradición artística y estudiarla para tratar de llevar todas esas conquistas del arte antiguo a un lenguaje moderno para realizar la fusión entre tradición y modernidad, en esa tensión que se mueve constantemente en su obra».

¿Y Asturias? «Yvonne Fernández, su segunda mujer, me comentó que uno de sus sueños y de sus grandes ilusiones era realizar un viaje a Asturias. Lo único que se lo impedía era la dictadura de Franco», señala Palacio. Y añade: «En las últimas décadas de su vida, Asturias y Oviedo eran como ese viaje soñado que se refleja en algunas de las cartas, era el recuerdo de una persona que tiene su tierra natal grabada en la mirada y en el alma».
«Desde muy niño he dibujado y pintado»
 

El texto que se reproduce en esta página, incluida en el amplio y completo estudio de Alfonso Palacio, es un extracto de una carta enviada el 18 de enero de 1972 por Luis Fernández al escritor y erudito asturiano Luciano Castañón, con quien mantuvo bastante correspondencia, en la que el pintor le resume su biografía, un año antes de su muerte.
LUIS FERNÁNDEZ Nací en Oviedo el 29 de abril de 1900. Mi padre era catedrático de Matemáticas en la Universidad. Era de Logroño y mi madre de Málaga. Desde muy niño he dibujado y pintado. Una tía mía me dijo una vez que tenía una acuarela bastante grande que representaba caballos que yo había hecho cuando tenía un año. Recibí la primera lección de dibujo a la edad de seis años. Pero no fui a la escuela donde taban (sic) lecciones de dibujo más que una vez, pues me creí incapaz de aprender y no quise volver. Pero continué a dibujar en mi casa.

Perdí a mi madre cuando tenía seis años y a mi padre cuando tenía ocho. Me recogió un tío mío hermano de mi padre, que vivía en Barcelona. Él y su familia me trataban muy mal y me marché definitivamente de su casa a los diecisiete años, sin un céntimo.

Yo había entrado a los doce años en la Escuela de Artes Oficios de Barcelona, en la sucursal de la calle Arribau. Allí conocí a un profesor, José Mongrell, que había sido discípulo de Sorolla. Me preguntó si yo aprendía a dibujar porque mi oficio necesitaba el dibujo o si quería ser pintor. Al decirle que quería ser pintor, me tomó como discípulo, gratuitamente, todo el día en su taller (los cursos en la calle de Arribau eran de las siete a las nueve de la noche). Estuve en el taller de Mongrell durante diez años. Mongrell, que murió de enfermedad durante la Guerra Civil, es el mejor profesor de pintura que yo he conocido (en París he visto dar lecciones de pintura a pintores de celebridad mundial, entre otros a Fernand Léger, y ninguno tenía, ni de lejos, el talento del profesor Mongrell). Para mí fue una gran suerte ser discípulo suyo. En aquella época había en Barcelona una sociedad llamada, si me acuerdo bien, Asociación Artística, en la que figuraban pintores entonces célebres (Anglada Camarasa, Ricardo Urgell, Joaquín Mir, etcétera, y también Mongrell. Cuando yo tenía quince o dieciséis años, esos pintores me invitaron a exponer con ellos en las exposiciones que hacían en una galería llamada Sala Páres. Mongrell se opuso a ello, con razón, para que yo no me hiciera pretencioso). Con esta carta le envío una reproducción de un dibujo mío de 1915, firmado en París y dedicado a la esposa del célebre escritor de arte Christian Zervos.

Cuando me encontré solo y sin dinero, Mongrell me procuró alumnos a los que daba lecciones de dibujo y de pintura. Así me ganaba la vida. Algunos de los alumnos tenían más edad que yo. Pero como no tenía a veces bastantes alumnos, hice también cueros repujados y otros trabajos decorativos.

Vine a París en 1924, me casé enseguida. Mi mujer era griega, israelita de origen español, hablaba el español del siglo XV que su familia había conservado desde la expulsión de los judíos. Después de treinta años, la perdí, en 1954. Me casé de nuevo en 1959. Mi mujer actual es francesa.

Muy pronto conocí a un profesor de la Sorbona, coleccionista, que se interesó por mí y me presentó a casi todos los mejores artistas de París: Matisse, Lipchitz, Laurens, Corbusier, etcétera. También conocí muy pronto a poetas y escritores: André Breton, Paul Eluard, Jean Cossou y otros muchos. Breton y Cassou han escrito sobre mí. También otros. Creo que podré enviarle dos poemas de René Char sobre mí. Tres. Cuatro poetas más han escrito también poesías sobre mis cuadros que se han publicado en revistas de arte y de literatura. A Picasso le conocí más tarde. Durante alrededor de veinte años he pasado casi todas las mañanas en su taller. Dos veces me pidió que trabajara en colaboración con él: un dibujo y un telón de teatro. Creo que soy el único pintor que ha trabajado con él. Del dibujo se publicaron dos reproducciones en la revista «L'Oeil» en 1957, una fotografía del dibujo empezado por Picasso y otra de cuando yo la terminé, pero no tengo más que un ejemplar de esa revista, que debe estar agotado.

Al salir del taller de Mongrell y de la Escuela de Bellas Artes de Barcelona, quise empezar de nuevo a aprender a dibujar y a pintar. Hice escultura, pues pienso que ésta es necesaria para aprender, por ser realmente la forma, pues el dibujo es sólo una figuración de la forma. Cuatro veces he comenzado de nuevo el aprendizaje. Una vez en Barcelona y tres veces en París. Cuando llegué a París desconocía completamente el arte francés de vanguardia. Me di cuenta de que ya había dado todo de sí y que había que hacer otras cosas, ir más adelante, pero pensé que eso no podía hacerse más que pasando primero por los tres movimientos más importantes: el cubismo, el arte abstracto y el surrealismo. Durante años hice pinturas y esculturas («taille» directa sobre granito) abstractas. Me han dicho que soy el primer español de haber hecho cosas abstractas. Después hice surrealismo (y antes cubismo).

Mi ambición era asimilar las conquistas del arte moderno, hacerlas «sangre» dentro de mí y después hacer la «liaison» (no sé decirlo en español) con la pintura antigua.

Nunca he hecho exposiciones. Todas las que se han hecho de mi trabajo las han hecho otras personas. Tres en París, tres en Italia, Roma, Milano, Torino (Turín) (no sé bien cómo se dice en español), una en Suiza, Ginebra. Otra en Madrid. No sé si han hecho otras, pues las hace la galería con la que yo tenía un contrato y desde que la dejé no me dicen nada, y otra en Nueva York. Le enviaré un ejemplar de los catálogos (de los que tengo dos).

Desde hace pocos años hay en París un organismo oficial que organiza todas las exposiciones de pintura moderna en los museos de Francia. Este organismo se llama «Centre National d'Art Contemporian» (CNAC).

Este organismo, que me ha comprado hace poco tres dibujos y me ha encargado un cuadro y un dibujo más para el Museo Nacional de Arte Moderno en París (que tiene un cuadro mío desde hace años), está preparando toda una serie de exposiciones mías en los museos. La primera en París y después en los siete u ocho museos importantes de Francia. Esas exposiciones irán también a Charleroi (Bélgica) y es posible que a Madrid, por lo menos así me lo ha dicho el director del Museo de Arte Moderno, el señor González Robles, cuando estuvo en París hace tiempo y también me dijo que cambiaría (sic) dos grandes cuadros míos influenciados por Picasso, y un cuadro a medio hacer, que no sé cuando podré acabarlo pues trabajo muy despacio y tengo muchos encargos anteriores. (Se me había olvidado decirle que también trabajé bajo la influencia de Picasso).

También creo haberle dicho que durante muchos años he estudiado las técnicas antiguas con libros antiguos y modernos, y con químicos, restauradores, fabricantes de colores y sabios del «College de France» (en lo que se refiere a las cuestiones de óptica).

Termino esta carta, hoy, día 20 de enero, y a esa hora «la poste» está cerrada. También está cerrada los sábados por la tarde. No podré enviarle los documentos hasta el principio de la semana próxima pues no he podido ir hoy a la rue de Vaugirard porque he tenido que recibir a una periodista para una «interview». Los documentos, tengo que buscarlos y mi mujer hará un paquete que será bastante grande.

]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=2&id=528http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=527Wed, 13 Aug 2008 00:00:00 +0000
Publicado en La Nueva España
Gijón, J. C. Gea

A quienes hayan tenido la oportunidad de contemplar la obra que María Vallina (Langreo, 1978) exhibe estos días en Llanes como parte de la exposición colectiva «Cruces del arte», les sorprenderá menos la que desde hoy cuelga en la gijonesa galería Altamira. Quienes sí hayan visto las piezas que aporta a «Cruces», constatarán que la joven artista asturiana atraviesa un período de fecundo cambio en el que, por una parte, profundiza, y por otra, amplía el discurso que ha mostrado en sus individuales de los últimos años, arraigado en los presupuestos del expresionismo abstracto y de tendencias más recientes y figurativas, de estirpe expresionista.

Son estas últimas las que ganan terreno, junto a un creciente interés en lo conceptual, en los lienzos con los que Vallina regresa a la sala donde, hace ahora cuatro años, colgase «Loading?», su primera individual. Las referencias orgánicas, animales o antropomórficas que ya dormían en su pintura anterior, incluso bajo un encubrimiento abstracto, se desvelan y exhiben ahora, incluso con crudeza.

Una paleta violenta, sangrante, en la que predomina el rojo en densos brochazos o en salpicaduras sobre campos de color que cada vez son menos abstractos se puebla también de siluetas animales o grotescamente humanas «que se transforman unas en otras», y aparecen también referencias a una sexualidad primaria y doliente, o -en algunos casos- las cruces que ya aparecían antes en su obra, y que María Vallina ha explicitado doblemente en la colectiva de Llanes.

Chorreos y vertidos

A esos recursos se suman otros, en distintos niveles de lectura: alusiones de color que son, a su vez, necesidad, cita y homenaje -como unos rosas tumefactos, emparentados con los de Francis Bacon-; series más ascéticas donde la paleta se reduce a tres tonos -gris, rojo y negro-; chorreos y vertidos; cráneos animales o sillas pintados con una nitidez inédita hasta ahora en la artista, composiciones de obras en polípticos?

La inquietud de María Vallina por ampliar su campo de trabajo y los registros de su expresividad habían llegado incluso a proyectar una instalación en torno al tema del vacío que, finalmente, no ha llegado a incorporarse a esta exposición.

Sin embargo, sí queda constancia de ese ánimo de romper las convenciones y los límites de la pintura en una combinación de trabajos sobre papel e intervenciones in situ concebidas expresamente para uno de los rincones más peculiares de la galería.

Formas humanas distorsionadas, convulsas y, de nuevo, sangrantes, cruzadas por intensas manchas de rojo y alusiones orgánicas y sexuales en las cuales, según su autora, «quedan mucho más a la vista, más claros, algunos de los elementos antropomórficos y animales que en los cuadros aparecen más diluidos».

La «suite» cobra dimensiones de instalación en busca de un efecto que «envuelva al espectador» y lo sumerja en una especie de obsesiva y vibrante capilla acerca de las relaciones entre humanidad y animalidad.

La emergencia de todo este nuevo universo de temas y recursos es, según María Vallina, fruto de «un mayor atrevimiento, una mayor decisión» a la hora de pintar que tiene también que ver con una mayor desenvoltura técnica, adquirida en los últimos años durante su formación en ciudades como Milán o Madrid.

En ese tiempo, su obra se ha exhibido en diversas exposiciones individuales y colectivas en Oviedo, Madrid, Bruselas, La Habana, México DF, Nueva York, Miami o Puerto Rico.

]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=527http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=526Wed, 13 Aug 2008 00:00:00 +0000


460.046 personas han participado en las actividades programadas por LABoral Centro de Arte y Creación Industrial desde su inauguración, el 30
de marzo de 2007. En estos 16 meses de actividad, 78.711 personas han
visitado las diferentes muestras que se han exhibido en el espacio
expositivo estable del Centro de Arte que ocupa parte de los viejos talleres de la antigua Universidad LABoral.
A esa cifra hay que sumar los visitantes que recibió la exposición de artistas asturianos Extensiones-Anclajes, celebrada en 14 puntos de la
geografía asturiana entre el 1 de abril de 2007 y el 30 de septiembre de
2007. Todas las actividades organizadas por el Centro en el exterior, entre las que cabe citar también la exhibición de la obra Bump, de la exposición Playware, en la plaza central del Campus del Milán de la Universidad de Oviedo, así como talleres organizados en colaboración con otras entidades de la región, contabilizaron un total de 338.593 visitantes.
LABoral ha otorgado desde su inauguración una gran importancia al programa de formación tanto experta –con talleres dirigidos a artistas y
profesionales-, como divulgativa –con un programa específicamente dirigido a niños, jóvenes y familia-. Asimismo ha organizado conferencias
y simposia. En este capítulo LABoral, que se establece como un centro de excelencia y de referencia para la formación de la sociedad en general en el ámbito de las nuevas tecnologías y su introducción en la Sociedad de la
Información, ha conseguido contar con la participación de 8.363 personas
en los diferentes talleres y conferencias.
Otro capítulo importante en la difusión de la actividad del Centro es su
página web, un espacio de información sobre las actividades de LABoral y
también de formación, al retransmitir en tiempo real (streaming) gran parte de su programación: inauguraciones de exposiciones, conciertos,
simposia, talleres y conferencias. www.laboralcentrodearte.org ha
recibido la visita de 141.231 usuarios en estos 16 meses, quienes han consultado un total de 574.158 páginas.

]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=526http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=525Tue, 12 Aug 2008 00:00:00 +0000

El sábado 16 de Agosto a las 22,30 en la Plaza del Carmen y Severo Ochoa en Luarca tendrá lugar la presentación de vídeo "corazón" producido por marteria viva ( vicente pasto+ernesto garcía)]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=525http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=524Sat, 09 Aug 2008 00:00:00 +0000Publicado en La Nueva España
 

Oviedo
El pintor asturiano Miguel Galano (Tapia de Casariego, 1956) inaugura hoy una exposición en la singular y prestigiosa sala Robayera de la localidad cántabra de Miengo. Galano presentará hasta el próximo 16 de septiembre una exposición integrada por treinta obras que son un repaso a su trayectoria entre los años 1994 y 2008. Autorretratos, paisajes y marinas conforman la parte principal de una muestra que forma parte de los actos que esta sala de arte está celebrando con motivo de sus veinte años de historia.

Artistas de la talla de Barceló, Broto, Carmen Calvo, Canogar, Chillida, Genovés, Gordillo, Cristina Iglesias, Juan Muñoz, Schnabel o Susana Alonso han expuesto en una sala que ha desarrollado en estos veinte años de historia una ejemplar actividad expositiva. Joaquín Rubio Camín, Pelayo Ortega y Javier Riera son tres de los asturianos que han pasado por ella.

La sala Robayera ha aprovechado, gracias a las donaciones de los artistas que han expuesto en ella, para hacer una selecta colección de arte integrada por casi un centenar de piezas, entre pinturas, dibujos, grabados esculturas y fotografías, todas ellas de artistas nacionales e internacionales.

Impulsada por el pintor Juan Manuel Puente, Robayera se ha convertido casi en una cita obligada para cualquier artista que se precie. Galano clausuró recientemente en el Museo de Bellas Artes de Asturias la exposición «Corotiana. Paisajes de Miguel Galano», un homenaje del artista asturiano al gran paisajista francés del siglo XIX.

]]>http://www.ajimez.com/actualidad/detalle.php?cat=3&id=524